El Festival ofrecerá un “showcase” de obras audiovisuales en vídeo o en film que de alguna manera salen del ordinario y extrapolan los generos tradicionales para moverse en territorios que ván del arte contemporaneo a los formatos más experimentales.

El evento no es competitivo y las obras seleccionadas serán exhibidas entre los días 19 y 28 de Febrero de 2010, en el proprio Centro Pompidou, en París.

Sobre los requisitos:

- No hay tasa(s) de inscripción.

- Las obras, así como los artistas, pueden ser de cualquier nacionalidad, con duracción entre 25 y 65 minutos.

- Las obras deben haber sido realizadas en cualquier periodo posterior a Enero, 2008.

- Las obras serán proyectadas en 16mm, 35mm, Beta o Mini DV.

- Todos los films/videos que no sean en Inglés o en Francés, deben tener subtítulos en uno de estos idiomas.

- Todos los trabajos deben ser enviados en un sobre junto a una copia en dvd, con información de contacto del autor, a la dirección:

Centre Pompidou, services Cinemas
HORS PISTES
75191 Paris CEDEX 04, France

Maya Deren, cuyo verdadero nombre era Eleanora Derenkovskaya, es conocida como la “madre” del cine-trance. Deren nació en Kiev pocos meses antes de la Revolución de Octubre y en 1922 se mudó a Estados Unidos, donde posteriormente desarrolló trabajos como cineasta, teorica y antropóloga. Entre 1946 y 1954 viajó tres veces a Haiti donde se inicio en el voodoo. En su primera obra - Meshes of the Afternoon (1943) – , realizada en cooperación con su entonces marido Alexander Hammid, profundizó en el concepto de poesia en el cine.

El escritor y teorico de cine avant-garde P.A. Sitney compara este film a Un perro andaluz, (1929), de Salvador Dali y Luis Buñuel, por su relevancia en la historia del cine avant-garde, asi como por la alianza entre creadores. Deren y Hammid filmaron Meshes of the Afternoon en dos semanas y media en su propia casa con un obsoleto equipo de camara 16mm. Ellos mismos actuaron en el film, no habia guión preescrito.

Este film trata de las experiencias interiores de un individuo. El film no graba un evento que podría ser presenciado por otras personas. Mejor dicho, reproduce la manera en que el subconsciente de un individuo desarrollará, interpretará y llevará un aparentemente simple incidente casual hacia una crítica experiencia emocional.
Este film aún está fuertemente basado en una línea literaria dramática como meollo, y se apoya intensamente en el sentido simbólico de los objetos ysituaciones. [...] Todo lo que pasa en el sueño tiene su base en una sugerencia en la primera secuencia – el cuchillo, la llave, la repetición de escaleras, la figura desapareciendo en la curva de la estrada. Parte del éxito de este film consiste en la manera en que las técnicas cinemáticas son empleadas para dar una malévola vitalidad a objetos inanimados. El film es culminado por un doble final en que parecería que lo imaginado logró – para ella – tanta fuerza que pasó a ser realidad.[1]

En el famoso libro Visionary Film, cuya primera edición remite a 1974, Sitney apunta las caracteristicas de un “clasico” film-trance: “el protagonista que pasa invisiblemente entre la gente, paisajes dramaticos, el punto culminante de confrontacion entre uno y su pasado. [...] El principio del montaje, a traves del cual todas las escenas parecen magicamente continuas a la otra, deben haber sido planeadas anteriormente.”[2]

[1] Maya DEREN. “Notes, Essays, Letters”, en Film Culture. Número 39. Nueva York, 1965, Pg.1.
[2] P.A.SITNEY. Visionary Film. Pg.19

Para Gordon, el tiempo del vídeo – caracterizado por la imagen congelada, el slow-motion y la repetición – es la idea del tiempo que se ha dado a su generación, lo que ha generado una relación distinta con el cine: “Con la llegada del VCR, vivemos en una cultura fílmica distinta, una cultura del replay, y una mirada en cámara lenta”[1]

Si por un lado, la industria del cine comercial ha estado utilizando hasta el momento la tecnología digital en favor de la reafirmación de un modelo de cine de entretenimiento narrativo, (¿hiper?)realista y con énfasis en los efectos especiales, por otro se observa como la tecnología digital está sendo adoptada por artistas de distintos campos, continuando una tendencia iniciada por cineastas vanguardistas del siglo XX en cuanto se refiere a la exposición en espacios de arte, y al cuestionamiento del propio medio en que se generan las obras. Al mismo tiempo, lo digital y los nuevos medios generan una serie de fenómenos y nuevos géneros artísticos en los espacios del arte contemporáneo (y en Internet). El dialogo entre formas y medios se puede apreciar desde las primeras practicas paracinemáticas, en que el cine expandido se destaca como movimiento, y la caracteristica convergente del digital fortalece esta tendencia. El termino “postcine” se hace cada vez más plausible, mientras las ubicaciones del vídeo se expanden. 24 Hour Psycho, por ejemplo, corresponde a un tipo de presencia del cine en el arte: el reestreno y la representación, en este caso integral, de la película lleva a la recuperación total de la obra a través de un dispositivo de exposición (y ya no de proyección). De esta forma, arranca el film cinematográfico de su modo de existencia ordinario. La pantalla en la cual se proyecta no es mural, sino que está suspendida en medio de una sala, en que los visitantes pueden desplazarse y verla incluso por distintos angulos o con la imagen invertida. Esta dilatación pone en crisis la idea de la integridad de la obra, la dimensión temporal de la película y la propria “idea de cine”. Ejemplo de cuando el cine y el video arte suscitan la interacción entre percepción humana y tecnología.

* Entrevista con Douglas Gordon, por Jean Wainwright, para Art Monthly (December/January 2002-03 No 262, p1-4).

* [1] Mark HANSEN. New Philosophy for New Media. Pág.243.

La interface creada para internet permite encontrar a estos registros de formas divertidas y obtener información sobre local o fuente original de la declaración de estado de ánimos. Si el post tenía foto, se incluye en el registo. Al escojer la emoción que quieres “abrir”, la página web también permite “guardar” a tu favorita o enviarla por email.

Tiene curiosidad de saber lo que otra gente está sentiendo ahora?

I feel curious.

Podcast para la entrevista con el director aquí.

El cine de Brakhage explota en la tela en una sensual secuéncia de imagenes, texturas y baile de luces, que invita al espectador a vivir una experiéncia perceptiva, sea monocromatica o de multiples colores. Stan Brakhage es identificado como uno de los precursores del cine lírico y mitopoético. Ha trabajado de forma intensa la relación entre ojo, hombre y sistema nervioso a través de la variación luminosa, el material filmico y una forma de hacer cine extremadamente sensible y personal.

La yuxtaposición es su marca en el montaje y lo utiliza para crear un “cine de ojos cerrados”, de la “visión del niño”, tan humana como el uso de la cámera. Sus obras se destacan por la construcción de sentido a partir de elementos desconectados de una línea temporal o narrativa clásica, alejándose de la comprensión del tiempo y del espacio característica del cerebro humano. Brakhage construye un cine en que la modularidad de sus piezas es parte de la esencia de la obra en totalidad.

Su principal inspiración ha sido la realidad bajo sus ojos, su microcosmo, el entorno, su casa, y su familia. Mantuvo en más de 40 años de carrera una postura congruente y un resultado estético y conceptual acorde, que se podría dividir en dos fases, el psicodrama y la mitopoesía. Su inspiración ha sido la música, la poesía y la pintura, característica que ha marcado intensamente su cuerpo de trabajo en totalidad. La inspiración mayor, la vida y como ella se manifesta en su entorno – el cine de Brakhage es creación a partir de su universo interior fundido con todo lo que ha visto y vivido. No lo traduce en imagenes reconocibles o lo proyecta como reconstrucciones personales: lo transforma en códigos abiertos universales de sentidos múltiples, casi transcedentales.

En las obras de Brakhage resalta la ambición en poner el cine en la misma posición que las otras artes tradicionales. Excluye casi contundentemente la narrativa de sus films y no tiene ninguna intención neutral del cine documental, aún que utilize comumente grabaciones de ambientes y acontecimientos familiares, además de elementos de su realidad subjetiva y personal. Como cineasta, él ha trabajado la visión individual de las emociones, sueños, fantasías, angeles y una casi religiosidad. Es, por esta razón, uno de los más importantes cineastas de caracter lírico – mitopoético y sin dudas uno de los realizadores experimentales más productivos de la historia del cine avant-garde.

En diálogos con Roland Johnson y Jim Shedden, publicados en la revista Chicago Review, Brakhage afirma que: “[...] todo lo que otra gente llamaría mis films asbtractos, lo que como sabes yo no considero asbtracto de manera alguna, son las piezas más concretas de mi realización, porque ellas surgen casi directamente de mi synapse y mi pensamento. El sentido de estilo, así como la gente puede decir la diferencia entre mi asignatura y la de cualquier otra persona, es única para mí.”1

Stan Brakhage se ha definido y ha mantenido un estilo lírico, que como la poesía puede tener significados múltiples y exhigen algo más que la lógica de sus espectadores. “Muy pocos cineastas han estado tan preocupados con estilo y técnicas cuanto ha estado Brakhage. Ironicamente, es justamente a Brakhage a quien la ‘vieja escuela’ toma cuando necesita ejemplo de malo estilo y malas técnicas. Ellos no podrían haber escojido ejemplo más engañoso, dado que Brakhage es uno de los realizadores más virtuosos del cine moderno.”2

Considerado un cineasta en búsqueda del pre-lenguaje, establece un cuerpo de trabajo marcado por el solipsismo – como diría el propio Brakhage – , en que la realidad externa sólo es comprensible a través del “yo”, ya que éste es la única realidad tangible, y asume la imposibilidad de conocer la realidad objetiva, en caso de que ésta fuera real, de manera consistente. En la forma filmografica de Brakhage hay la constante tensión entre la imagen concebida como representativa del contenido de la consciencia y, por otro lado, la imagen concebida como una forma que alberga las energias de un amplio campo de existencia.3

“Yo trabajo con lo Efímero. Yo puedo hacer fotografías de ellos [los objetos] pero ellos siguen para siempre representaciones. Yo sí he intentado muy duro, e hice los tipos de imagenes que serían de gran ayuda o inspiradas por los conceptos de Williams ‘Sin ideas, pero en cosas’, pero en realidad esto no es aplicable al film, cuya naturaleza debe ser fugaz y en movimiento. Es un tejer de luz que siempre está disolviendose”.
Stan Brakhage

En Brakhage, la relación con la naturaleza y con la entidad familiar exterioriza una gran curiosidad por la existéncia y el continuo intento de extrapolar los limites de la propia consciencia y (su) representación. Sus films no son un intento de “capturar” o de representar la naturaleza, un micro o macrocosmo, o mismo la vida del hombre: él es naturaleza y por lo tanto también todo lo que él produce y crea.

* Para leer más: Stan Brakhage on the Web, by Fred Camper

* Algunos films online (hay que decir, la mayoría digitalizada de cualquier manera).

* Recomendaciones:

By Brakhage, An Anthology. By Criterium.

Brakhage at the Millennium.

* Referencias bibliograficas:

1 – BRAKHAGE, Stan. The Brakhage Lectures. May 1972 by The GoodLion, at The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois, USA.

2 – WHEELER W., Dixon, GWENDOLYN, Audrey Foster. Experimental Cinema: The Film Reader. Pg. 62

3 – ELDER, Bruce R. Stan Brakhage: Filmmaker. Temple University Press, 2005. Pg. 88.

Así que me alegro de saber que en el més de Agosto (2009) estan de rebajas y gastando más de 50 USD no cobran tasa de envío internacional.

Millennium Film Journal